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Archives par mot-clé : proprioceptions
The Musician Sound
My thoughts about the musician sound elaborate from the following concepts :
Sound and Inner Vibration
My exploring the alto saxophone,
coming from practicing the clarinet, made me realize how paramount the sound foundation is, as resulting from the mastering of my inner vibration : by avoiding any physical stress disturbing the musical gesture (“body tensions shrink your sound“, as Marie-Christine Mathieu shows it), we manage to merge with our instrument.
Some basic components of this body-instrument set are positioned hereafter : the internal vibration propagates from the source, down to the ground through the virtual trunk and the roots, and keeps the warm air in the horn thanks to its minimal flow.
In other words, the expression is fully controlled when the body fades out behind the sound. Then, the playing process of the body-instrument set becomes flexibly driven by the musician, who can then concentrate on his musical speech since his sound is already put in place : from this point onwards, other musical features logically build up, such as articulation, nuances, rests…
« In the first place, you should learn to know yourself : learn to be aware of everything which must be achieved before playing a sound. »
Making The Sound Ripen
Many findings result from this approach, which was happily taught to me by Master Robert Pichaureau some years ago (1983-85) and is feeding my personal routine in a continuous way : practice and assimilation make concepts mature with time, so that they become obvious.
Along these lines, this great teacher helped many musicians to unveil and (re-)build up their sound, enhancing these principles in a unified way for all types of instruments (he used to refer to The Inner Violin / Le violon intérieur of Dominique Hoppenot, extending the concept beyond the brass and woodwind players…) :
the sound of inner violin
Your best inner vibration is lived through and felt in consistency with your natural breathing, hence feeding your musical speech, which becomes spontaneous while getting more personal.
Here are Dominique Hoppenot‘s words in Le violon intérieur , about actual feeling and experimenting :
« In order to express (your art), (…) you must exist within your body, you should have something to say, and be able to say it. »
« What is described in a teaching speech as live and always renewed concepts easily becomes dogmatic when written down and you might take a risk in being satisfied by an intellectual understanding while only the lived experience matters. »
« True knowledge develops only through analyzing and assimilating information according to your own personality, and “knowing“ necessarily requires the duty of personal experience. »
Your Mind Drives Your Art
Le Traité méthodique de pédagogie instrumentale, written by Michel Ricquier, also shows and explains the sound produced by the brass or the woodwind player. As a complement, the paramount role of mind for the art expression is developed in his book L’utilisation de vos ressources intérieures.
In the USA, Joe Allard was a notorious Master, as a clarinet and saxophone player, who educated several generations of musicians, following similar principles, from whom I mention excerpts consistent with my observations.
« If you know how to play, if you understand your approach, then you have a good plan for your playing. You eliminate much of the fear of playing. There’s still concern because you want to play well, but you’re not afraid to blow.«
David Liebman is one of his famous followers, who elaborated his ideas about the development of a personal saxophone sound.
« In truth, there are no rules, only concepts. In all honesty, it took me years to understand some of his directions. This was especially true for the all-important overtone exercises and their significance. It finally dawned on me during my twenties how much the tone of the great players evidenced ease of production, evenness of sound, a rich and deep sonority, and most of all, personal expressiveness. »
Great musicians of all styles demonstrate as many embodiments of personal sound. Among the most significant ones to me, we can find Charlie Parker, Phil Woods, Cannonball Adderley, David Liebman, Eddie Daniels, Miles Davis, Chet Baker, Clark Terry, Patrick Bartley, Pierrick Pédron, Jean-Charles Richard, Géraldine Laurent, Martin Fröst, Romain Guyot, Maurice André, Timofei Dokshizer, Guy Touvron…
Ringing Multiple Bells
These teachings are feeding my understanding, following several milestones selected in a personal fashion, describing my feelings (and relevant proprioceptions) stemming from a progressive assimilation of the Pichaureau method and complementary notions.
the instrument
The internal vibration flows from the musician’s body to his instrument which behaves as an amplifier : making one’s instrument sound good aims at optimizing its resonance.
the posture
Your body should be positioned so as to avoid unnecessary stresses by relaxing downwards, down to the ground, taking advantage of the verticality of the sound column.
breathing and air
The good sound builds up on the exhalation, which seamlessly extends the inhalation : your aim should be to pick it up, from your listening to your natural breathing.
the air column
You should figure out the air column, better named as « sound column », as deep as possible : it feeds up your internal vibration which is amplified by the instrument.
do not blow
You should not externalize your intended motion by willing to blow, in order to be able to drive downwards your internal vibration : by avoiding to actually blow out, you let your global resonance develop, without disturbing your sound with unnecessary stresses.
the sound source
From your diaphragm center, you visualize the starting point of your internal vibration as deep as you can, down to the heels : this will make your sound column grow up, spreading a fatter sound out of your body to your instrument.
the embouchure
Your internal vibration propagates through the embouchure – which you should think as located at the bottom of your sound column – producing then a sound resulting from the musician/instrument configuration : this requires also a good reactive gear.
fingers and tongue
Your fingers and tongue finally embody the tools of you, as a wind player becoming a sound sculptor by customizing your expression carried on by your internal vibration.
a virtual trunk
Like the sportsman towering his performance by merging himself into his pelvis, you as a musician forget about your trunk for the benefit of your lower limbs, which then may appear as a new virtual trunk : it supports your vibrating body, echoing through the surrounding space.
highs and lows
Exploring the whole range of your instrument then becomes easier by keeping your sound column relaxed from the bottom, where your exhaling and inhaling naturally link up in the fat vibration : you can now master your playing legato over a large range, while feeling the grain of your sound.
the sensations
When you listen to your natural breathing and you absolutely do not push, then your relaxation flows down, bringing the enjoyment of letting-go.
the convergence
As those multiple factors converge towards your vital center point, you may consider your body as unified behind your instrument, which receives its vibrating energy and makes it sound around.
Some References
The authors mentioned in these refences are feeding my thoughts on the mastering of internal vibration and provide numerous leads towards the full expression of your musical intent.
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Le son du musicien
Mes réflexions sur la production du son du musicien se développent autour des concepts suivants :
Le son et la vibration intérieure
En découvrant le saxophone alto, 
après la clarinette, j’ai pris conscience de la nécessaire fondation du son, résultant de la maîtrise de la vibration intérieure au corps : en évitant toute contraction physique perturbant le geste musical (“les tensions rétrécissent le son“, comme le montre Marie-Christine Mathieu), on arrive justement à “faire corps“ avec son instrument.
Des éléments de base de ce binôme corps/instrument sont localisés ci-dessous : la vibration interne se propage à partir de la source, jusque dans le sol par le tronc virtuel et les racines, et maintient l’air chaud dans l’instrument car son flux est minimal.
En d’autres termes, l’expression musicale est maîtrisée dès que le corps s’efface derrière le son. Ainsi, le jeu de l’ensemble corps-instrument devient malléable, souple et contrôlable par le musicien, qui peut d’emblée se concentrer sur son discours, car le son est déjà installé (ou “placé “), et le reste se construit par-dessus : l’articulation, les nuances, les silences…
« Il faut en tout premier lieu, apprendre à se connaître : à prendre conscience de tout ce qui doit se faire avant d’en venir à émettre un son. »
Le mûrissement du son
De nombreux constats découlent de cette approche, dont les préceptes me furent enseignés et démontrés par le maître Robert Pichaureau il y a quelques années (1983-85), et me nourrissent depuis, de façon continue et renouvelée : avec le temps, l’exercice et l’assimilation, les concepts mûrissent et s’éclaircissent pour devenir évidents.
Ce grand pédagogue a aidé de nombreux musiciens à découvrir et à (re)construire leur son, en déclinant ces principes de façon unifiée pour tout instrument, notamment en appliquant ses propos au violon intérieur de Dominique Hoppenot, pour aller au-delà des soufflants :
le son du violon intérieur
L’authentique vibration intérieure est vécue et ressentie en phase avec la respiration naturelle, nourrissant ainsi le discours musical qui se personnalise en gagnant en spontanéité.
Ainsi s’exprimait Dominique Hoppenot sur le vécu et l’expérimentation, dans Le violon intérieur :
« Pour exprimer (son art), (…) il faut exister au dedans, avoir quelque chose à dire, et pouvoir le dire.«
« Ce qui est vivant, toujours neuf dans un enseignement oral devient facilement dogmatique quand on le fixe par écrit et l’on risque de se satisfaire d’une compréhension intellectuelle alors que seule compte l’expérience vécue.«
« La vraie connaissance ne s’acquiert que dans la décomposition et l’assimilation de l’information à la personnalité de chacun, et “savoir“ passe nécessairement par l’obligation d’expérimenter personnellement.«
La tête dans l’art
Selon une approche analogue, le Traité méthodique de pédagogie instrumentale, écrit par Michel Ricquier, permet aussi de comprendre et de dérouler la production du son de l’instrumentiste à vent. En complément, le rôle essentiel du mental pour l’expression artistique est développé dans son ouvrage L’utilisation de vos ressources intérieures.
Aux États-Unis, Joe Allard fut un illustre maître, clarinettiste et saxophoniste, qui a formé plusieurs générations de musiciens selon des principes analogues.
« If you know how to play, if you understand your approach, then you have a good plan for your playing. You eliminate much of the fear of playing. There’s still concern because you want to play well, but you’re not afraid to blow.«
David Liebman est l’un de ses célèbres disciples, qui a plus tard formalisé ses idées dans son ouvrage Developing a Personal Saxophone Sound.
« In truth, there are no rules, only concepts. In all honesty, it took me years to understand some of his directions. This was especially true for the all-important overtone exercises and their significance. It finally dawned on me during my twenties how much the tone of the great players evidenced ease of production, evenness of sound, a rich and deep sonority, and most of all, personal expressiveness. »
Les grands musiciens de tous styles représentent autant de démonstrations vivantes du son personnalisé. Je citerais, parmi les plus significatifs pour moi, Charlie Parker, Phil Woods, Cannonball Adderley, David Liebman, Eddie Daniels, Miles Davis, Chet Baker, Clark Terry, Patrick Bartley, Pierrick Pédron, Jean-Charles Richard, Géraldine Laurent, Martin Fröst, Romain Guyot, Maurice André, Timofei Dokshizer, Guy Touvron…
Les éclairages multiples du son
Ces enseignements alimentent mon interprétation, déclinée à travers les thèmes suivants, sélectionnés selon mes perceptions (et les proprioceptions associées) résultant d’une assimilation raisonnée de la méthode Pichaureau et d’autres concepts complémentaires :
instrument
La vibration interne est transmise par le corps du musicien à l’instrument, qui joue le rôle d’amplificateur : faire sonner son instrument vise à en optimiser la résonance.
posture
Le positionnement du corps doit éviter les contraintes inutiles par la relaxation descendante, jusque dans le sol, grâce à la verticalité de la colonne de son.
air et respiration
Le bon son se forme sur l’expir, qui prolonge l’inspir sans à-coup : l’objectif est de le capter en écoutant sa respiration naturelle.
colonne de son
La colonne d’air, mieux désignée par “colonne de son”, est imaginée la plus longue possible : elle nourrit la vibration intérieure, qui est amplifiée par l’instrument.
ne pas souffler
La conduite de la vibration intérieure vers le bas implique de ne pas extérioriser le mouvement : ainsi, en évitant de souffler explicitement, on laisse se déployer la résonance globale, sans perturber le son par des contraintes inutiles.
source du son
À partir du centre du diaphragme, on imagine l’origine profonde de sa vibration intérieure, jusqu’aux talons, en allongeant la colonne de son qui fait vibrer le corps du musicien, puis l’instrument.
embouchure
La vibration interne se propage par l’embouchure – pensée à la base de la colonne de son – en générant un son produit par l’ensemble corps/instrument, ce qui nécessite une bonne réactivité du matériel.
doigts et langue
Les doigts et la langue apparaissent finalement comme les outils du sculpteur de sons que devient l’instrumentiste, en personnalisant son expression portée par sa vibration intérieure.
tronc virtuel
À l’instar du sportif qui transcende sa performance en se fondant dans son bassin, le musicien oublie son tronc au profit de ses membres inférieurs qui peuvent être assimilés à un autre tronc, virtuel celui-là : il apparaît alors comme la fondation du corps vibrant et résonant avec l’espace environnant.
aigus et graves
L’exploration de la tessiture est facilitée par le maintien de la relaxation au bas de la colonne de son, là où l’expir et l’inspir s’enchaînent naturellement dans le gras de la vibration : le legato sur les grands intervalles devient maîtrisable, en conservant le grain du son.
sensations
La perception de sa respiration naturelle combinée avec l’exigence de non-poussée permet de laisser s’écouler la relaxation, dans le plaisir du lâcher-prise.
convergence
Lorsque ces multiples facteurs convergent vers le centre vital, on peut parler du corps unifié derrière l’instrument qui en capte l’énergie vibrante pour la faire rayonner.
Références
Les auteurs cités dans ces références nourrissent mes réflexions sur la maîtrise de la vibration interne du musicien et fournissent de nombreuses pistes vers la pleine expression de ses intentions musicales.
